El cine se adapta al espectador distraído: diálogos redundantes para ver mientras haces otras cosas

Hace poco, un crítico de cine de The Hollywood Reporter resumió una película de Netflix con una frase que capturaba una verdad incómoda: «Otra película hecha para medio ver mientras haces la colada». La película era Atlas, una distopía futurista con Jennifer López enfrentándose a un robot con inteligencia artificial. Pero lo que el crítico señalaba no era tanto el argumento como la forma en que estaba construido: para ser consumido a medias, mientras la gente hace otras cosas.

Esta observación toca algo más profundo que una simple crítica de gusto. Un estudio de Facebook de 2019 reveló que el 95% de los estadounidenses consultados tenía un móvil en la mano mientras veía televisión. Esa cifra no es una anécdota; es el contexto en el que ahora se produce la mayoría del entretenimiento audiovisual. Y la industria lo sabe. Para adaptarse a espectadores cuya atención está fragmentada entre la pantalla principal y al menos una segunda, los diálogos de las películas se han vuelto cada vez más redundantes y explicativos. El objetivo es claro: minimizar el riesgo de que alguien se pierda un detalle crucial de la trama, aunque en realidad no le esté prestando demasiada atención.

Matt Damon y Ben Affleck, productores de El botín, otra película de Netflix, fueron sorprendentemente francos sobre esto en una entrevista reciente. Explicaron que habían diseñado el guion teniendo en cuenta las condiciones de atención del visionado doméstico. Damon fue directo: «Ahora es como: ¿Puede pasar algo gordo en los primeros cinco minutos? Queremos que la gente se enganche. Y no estaría mal si repitieras el argumento tres o cuatro veces en el diálogo, porque la gente está con sus móviles mientras la ve». La honestidad es casi desconcertante. No se trata de una consecuencia no deseada; es una estrategia deliberada.

Un artículo de 2025 en N+1, la revista cultural neoyorquina, intentó cartografiar el fenómeno. El autor, Will Tavlin, describió los diálogos resultantes como «forzados, llenos de sobreexplicaciones, clichés y jerga que ningún humano usaría jamás, como dos bots atrapados en un bucle». Tavlin entrevistó a guionistas que trabajaban para plataformas de streaming y descubrió que una nota habitual de los ejecutivos era: «que este personaje anuncie lo que está haciendo para que los espectadores que tengan este programa de fondo puedan seguirlo». Los diálogos no sirven para que los personajes hablen como personas; sirven para que la trama sea seguible incluso cuando nadie está realmente mirando.

No todos aceptan esta lógica. Javier Giner, director y guionista, tomó una decisión que podría considerarse casi disruptiva: durante el montaje de su serie Yo, adicto, emitida por Disney+, eliminó deliberadamente diálogos y voces en off que explicaban demasiado la trama o las circunstancias de los personajes. Mientras prepara su primer largometraje, Esta soledad, que se estrenará en el festival de San Sebastián, Giner reflexiona sobre el dilema: «A veces en el montaje ves que la cara del actor ya está expresando cosas que no necesitan decirse. Pero es cierto que hay una corriente que pide que todo quede muy claro de boca, por el cambio en la forma en que vemos películas y series». Señala la diferencia fundamental: en una sala de cine, el espectador está completamente concentrado, lo que permite jugar con elipsis y dejar cosas indefinidas. En casa, o en un tren con el móvil, hay que luchar contra muchos estímulos. «Yo personalmente no lo hago», dice Giner. «Considero que el espectador es adulto e inteligente y no necesito explicarle todo con pelos y señales. Es que además esos diálogos suenan falsos, y a los actores les cuesta mucho decirlos».

Vicente Monroy, escritor y crítico cultural, sugiere que hay otro factor en juego: el debilitamiento de la crítica de cine. Tradicionalmente, la crítica actuaba como puente entre las películas y el público, mediando entre la obra y la audiencia. Ahora, dice Monroy, se ha convertido en una práctica publicitaria al servicio de fenómenos de masas, sacrificando la reflexión profunda. El resultado es que las películas se ven obligadas a explicarse a sí mismas. «Ha provocado una desaparición de la vanguardia», observa. «Las películas que ahora ganan premios en Cannes son como las que hace 50 años ganaban en los Óscars».

Lo que está sucediendo ahora no es completamente nuevo. Los culebrones latinoamericanos de los ochenta y noventa, como Cristal, que se emitió en España entre 1989 y 1990, ya empleaban diálogos sobreexplicativos. Grabadas en estudio y de manera apresurada, herederas del formato de la radionovela, esas series necesitaban permitir que los espectadores que se engancharan en cualquier momento entendieran rápidamente las situaciones y personajes. Sus diálogos, frecuentemente dictados a los actores mediante auriculares disimulados, eran explicativos hasta el ridículo. Pero lo que debería ser motivo de reflexión es que eso mismo no solo está sucediendo en el mundo de hoy, sino que empieza a imponerse como estándar imperante en la producción audiovisual de presupuesto alto. Las salas de cine emergen como el único refugio donde aún es posible ver una película sin distracciones, pero incluso eso está bajo presión.